Kurzkritiken: Film

Hier mal ein paar Kurzkritiken zu Filmen, die ich in den letzten Monaten gesehen habe. Im Schnitt sehe ich mir vielleicht zwei Filme pro Woche an, ins Kino gehe ich nur sehr selten, weil hier bei mir in der Nähe kaum Film in der Originalfassung laufen. Am liebsten schaue ich mir kleine, ruhige Filmperlen mit berührenden Geschichten und große Dramen an (also alles, was inzwischen kaum noch im Kino läuft). Gelegentlich auch mal prollige Blockbuster und Actionfilme (wobei mir der ganze schematische Superheldenkram langsam zum Hals raushängt, genauso wie Star Wars und alle anderen Franchisesachen; aber wenn sie auf Sky laufen, sehe ich sie mir manchmal an.

Brooklyn – kein Film hat mich in den letzten Monaten so berührt und beeindruckt, wie dieses sanfte Einwanderer/Familiendrama aus der Feder von Nick Hornby nach dem Roman von Colm Tóibín. Trotz eines Todesfalls erzählt der Film so wunderbar unaufgeregt von der jungen Irin Eilis Lacey (gespielt von der fantastischen Saoirse Ronan), die in den 1950ern in die USA einwandert, um dort ihr Glück zu versuchen, dass es eine helle Freude ist. Solche Filme werden in den heutigen Bombast-Blockbuster-Comic-Superhelden-Sci-Fic-Monsterflic-Kinozeiten kaum noch gedreht.

Das brandneue Testament (Le tout nouveau Testament) – respektloser und urkomischer Film von Jaco Van Dormael (Nobody) über den in Brüssel vor sich hinlebenden, misanthropischen Gott, dessen einzige Freude es ist, den Menschen mit kleinen Gemeinheiten den Alltag zu vermasseln; und seine Tochter, die davon genug hat, ausbüchst und ihre eigenen zwölf Apostel sucht, die alle ihre ganz eigenen berührenden Geschichten zu erzählen haben. Der Film ist noch besser, als der Trailer vermuten lässt.

Toni Erdmann – die ersten 15 Minuten dachte ich, Helge Schneider für Arme (und Beine), aber dann wurde es richtig gut. Ein sehr skurriler und tragikkomischer Film mit einer wunderbaren Darstellung von Sandra Hüller und Peter Simonischek. Das wird Jack Nicholson im völlig überflüssigen Remake mit seiner Grinsenummer nie so gut hinbekommen.

Me, Earl und the Dying Girl – meisterhafter Jugendfilm, der sich vor den besten Werken John Hughes‘ nicht verstecken muss. Tieftraurig, sehr berührend, aber auch unglaublich komisch. Grandios erzählt.

Zwei Tage, eine Nacht (Deux jours, une nuit) – kleiner aber feiner Film von Jean-Pierre und Luc Dardenne über eine junge Mutter (großartig gespielt von Marion Cotillard), die eben zwei Tage und eine Nacht Zeit hat, ihre Kollegen davon zu überzeugen, auf einen Bonus zu verzichten, damit sie ihre Stelle behalten kann.

Frühstück bei Monsieur Henri (L‘ étudiante et Monsieur Henri) – eine dieser typischen französischen Wohlfühlkomödien, die einfach gute Laune verbreiten, aber verschroben genug sind, um nicht zu kitschig zu werden. Mit einer tollen jungen Hauptdarstellerin (Noémie Schmidt) und einem glänzend aufgelegten Claude Brasseur.

Before We Go – recht einfallloser Abklatsch von Before Sunrise, der nur durch den Charme der Hauptdarstellerin gerettet wird, aber eigentlich recht unmotiviert vor sich hinplätschert. Habe ich aber trotzdem ganz gerne gesehen, da ich für solche kitschigen Romanzen recht anfällig bin.

Kong: Skull Island: unterhaltsamer Monsterabenteuerbombastblockbuster ;), der aber richtig Spaß macht. Ich liebe solche Geschichten über noch unentdeckte Regionen, wie in Arthur Conan Doyles Die verlorene Welt, wo sich eine ganz eigene gefährliche Fauna entwickelt hat. Dabei konnte mich King Kong bisher wenig begeistern.

Ghost in the Shell – habe ich erstmals 1996 im Alter von 16 Jahren gesehen. Ein paar Jahre zuvor hatte mich Akira förmlich umgehauen und zum lebenslangen Animefan gemacht. Doch Ghost in the Shell fand ich damals langweilig. Allerdings traue ich meinem 16-jährigen Ich in Geschmacksfragen nur bedingt, gehörten doch damals Filme wie Urutsokidoji 1 u. 2 oder Fist of the North Star zu meinen Lieblingsanimes (heute kann ich sie mir nicht mehr ansehen). Die Neusichtung des Kultklassikers von 1996 zeigt, dass ich mit meinem Misstrauen gegenüber meines jugendlichen Urteilsvermögen richtig lag, damals wusste ich die ruhige aber atmosphärisch dichte Inszenierung, die wunderbaren Bilder und die philosophischen Betrachtungen einfach nicht zu schätzen.

Garden of Words – wunderbarer, kurzer Film von Makoto Shinkai (The Place Promised In Our Early Days) über eine Schüler und eine junge Frau, die eine zarte Freundschaft entwickeln, weil sie sich immer wenn es regenet in einer Pagode im Park treffen.

Southpaw – ganz nette Boxergeschichte, mit tragischen Wendungen und zwei guten Hauptdarstellern, durchaus mit den üblichen Klischees, dafür aber mit spektakulär inszenierten Kämpfen.

Bone Tomahawk – knallharter Horrorwestern, der trotzdem recht langsam inszeniert ist, hätte ruhig 20 Minuten kürzer sein können, ist aber trotzdem sehenswert – Kurt Russel in Topform.

Carol – Beziehungs- und Familiendrama nach einem autobiografischen Roman von Patricia Highsmith, den sie seinerzeit aufgrund der lesbischen Thematik unter Pseudonym veröffentlicht hatte. Mit zwei ganz wunderbaren Hauptdarstellerinnen.

Kill Your Friends – nicht so clever, wie er gerne wäre, und viel zu zahm inszeniert, um wirklich so zynisch und böse zu sein, wie er tut. Durchaus sehenswert, mit tollem Soundtrack, aber das gewisse Etwas fehlt. Nach dem Roman von John Niven, in der Musikbranche der 80er Jahre. Cooler Auftritt von Moritz Bleibtreu.

Mistress America – ein typischer Baumbach/Gerwig-Film, mit der bezaubernden Lola Kirke (aus Mozart in the Jungle), witzig, leicht tragisch, leicht schräg, aber doch ganz harmlos.

Lights Out – Effektiver Grusler, der das Beste aus der Thematik rausholt und mit seiner kurzen Laufzeit wunderbar kompakt daherkommt.

Green Room – Punkband landet in Nazikaschemme, sieht, was sie nicht sehen soll und muss bald um ihr Leben kämpfen. Mit Patrick Stewart als Obernazi, eigentlich ganz stimmungsvoll, mir persönlich aber etwas zu statisch inszeniert.

Backtrack – Atmosphärisch dichter und psychologisch ausgefeilter ruhiger australischer Grusler mit Adrian Brody. Hat mir gut gefallen.

The Dressmaker – dachte, es würde sich um ein ruhiges Familiendrama mit Homecoming handeln, stattdessen bekam ich eine bitterböse und tiefschwarze Satire mit Kate Winslet und viel skurrilen Figuren.

Don’t Breath – spannender Einbruch-geht-schief-mit-böser-Überraschung-Thriller mit einem sehr präsenten Stephen Lang und ein paar netten Twists. Handwerklich hervorragend inszeniert.

Dope – ausgezeichnete Mischung aus Gangsterthriller und Coming-of-Age-Drama.

Burnt – ganz nettes Drama mit Bradley Cooper als Ex-Junkie-Sternekoch, der einen Neuanfang versucht, dabei aber so kotzbrockig rüberkommt, dass ich so meine Schwierigkeiten mit dem Film hatte.

Lo and Behold – herausragende Doku von Werner Herzog über die Entstehung und Entwicklung des Internets – denn Herzog stellt immer die richtigen Fragen, die man in keiner anderen Doku hört.

The Nice Guys – arschcooler Retrothriller von Shane Black, in dem die junge Hauptdarstellerin Angourie Rice Russel Crow und Ryan Gosling locker die Show stiehlt.

The Neon Demon – unglaublich stylisch inszenierter Albtraum in der Modelszene von L.A. mit der für Nicolas Winding Refn typischen Brutalität. War mir aber zu glatt und zynisch.

Baskin – knallhart und sehr stilsicher inszenierter türkischer Horrorfilm.

Der kleine Nick (Le Petit Nicolas) – wunderbare Umsetzung des berühmten Kinderbuchs, mit ganz tollen jungen Darstellern und einigen sehr witzigen Episoden.

Stuck in Love – sehr unterhaltsam inszenierter Beziehungsfilm aus der klassischen amerikanischen Mittelschicht, mit ausgezeichneten Darstellern, Figuren mit Tiefe und einer anrührenden Geschichte

Infinitely Polar Bear – sehr intensiv gefilmtes Beziehungsdrama um einen Vater mit bi-polarer Persönlichkeitsstörung, mit einem herausragenden Mark Ruffalo. Wunderbare kleine Filmperle.

Anomalisa – schwermütiger Animationsfilm von Charlie Kaufmann, schon fast frustrierend melancholisch inszeniert, aber sehr sehenswert.

X-Men: Apocalypse – hat ein paar nette Momente ist aber ansonsten das übliche Guter-Magneto-Böser-Magneto-Spiel, nur viel plumper inszeniert als in den letzten beiden Filmen.

Batman vs. Superman – der hat keine netten Momente. Trotz des scheinheiligen Deckmantels der kritischen Reflexion über die Zerstörungsorgie in Man of Steel, geht es dem Film dann doch nur darum, eine noch apokalyptischere Zerstörungsorgie abzufeiern. Schlecht geschrieben, aalglatt wie Supermans Frisur, völlig humorlos und ohne Seele.

Captain America: Civil War – tut ähnlich wie Batman vs. Superman so, als würde er kritisch über die Zerstörungsorgien in Avengers 2 reflektieren, am Ende geht es aber doch nur um weitere Kloppereien – dieses Mal halt zwischen den Avengers. Ist aber viel humorvoller und stimmiger inszeniert als das DC-Pendant. Hat mich aber trotzdem gelangweilt, da alle Marvel-Filme im Prinzip nach dem gleichen Schema ablaufen.

World of Warcraft – ziemlicher Murks. Ich bin zwar großer Fantasyfan, und teilweise sieht der Film auch ganz schick aus, aber die Story ist zusammengepanschter Klischeepunsch. Keine Ahnung, ob der Leuten besser gefällt, die das Onlinerollenspiel zocken?

Kleiner Filmtipp (Underdogs): Dawg Fight

Dawg Fight ist eine Dokumentation über Hinterhofkämpfe im zu Dade County gehörenden Viertel West Perrine in Florida. Ein Viertel, in dem große Armut herrscht und 73 Prozent der Bewohner Afroamerikaner sind. Und für diese Bewohner organisiert der MMA(Mixed-Martial-Arts)-Kämpfer Dada 5000 illegale Hinterhofkämpfe zwischen mal mehr, mal weniger durchtrainierten Männern aus dem Viertel. Es gibt einen improvisierten Ring, Dada als Ringrichter und nur wenige Regeln. Gekämpft wird »bare-knuckled«, also ohne Handschuhe. Dabei geht es ganz schön brutal zur Sache und kommt immer wieder zu ernsthaften Verletzungen. Der Begriff »backyard-brawl« passt wohl am besten, da es sich oft um wilde Raufereien unprofessioneller Kämpfer handelt. Die Untrainierten verletzen sich an der Hand, weil sie nicht wissen, wie man richtig zuschlägt, oder sie erleiden heftige Kopfverletzungen, da eben ohne Handschuhe gekämpft wird.

Dada versteht die Organisation dieser Kämpfe als »community work«, also praktisch als Sozialarbeit in seinem Viertel. Er gebe den Kämpfern einen Grund auf Hoffnung, ein Ziel, etwas, woran sie glauben können. Der Traum: als professioneller MMA-Kämpfer Geld verdienen. Und einige schaffen das tatsächlich. An dieser Stelle möchte ich noch erwähnen, dass ich (obwohl Kampfsportfan) kein großer Fan von MMA-Kämpfen bin, diese aber für weniger gefährlich halte, was schwere Verletzungen angeht, als Boxen, was von einigen Studien auch bestätigt wird. Auch wenn es nicht so aussieht, sind die Handschuhe beim MMA besser gepolstert als beim Boxen, und da häufig Hebel und Klammergriffe angewendet werden, gibt es nicht so viele direkte Treffer auf den Kopf. Auch wenn es brutaler aussieht, als beim Boxen.

Aber was da auf den Hinterhöfen stattfindet, ist brutal, illegal und unsicher. Es gibt keinen Ringarzt, und wenn jemand dabei stirbt, kommt auch der Veranstalter wegen Mordes ins Gefängnis. Wer eine Karriere als professioneller MMA-Kämpfer machen will, darf sich nicht bei solchen Hinterhofkämpfen erwischen lassen, da er sonst seine Lizenz verliert.

Ich hätte mir von dem Film gewünscht, dass er etwas mehr auf die Biografien und Lebensumstände der einzelnen Kämpfer eingeht. Stattdessen wird viel Zeit auf eine martialische und (dank der Musikuntermalung) pompöse Inszenierung der Kämpfe gelegt. Dada meint, auf diese Art könnten diese jungen Männer ihre Aggressionen und ihren Ärger in den Ring tragen und dort loswerden. Eine aggressive Stimmung herrscht auch beim Publikum, wenn da ältere Damen und kleine Kinder blutdürstig danach rufen, dass ihr Favorit seinen Gegner alle machen solle.

Die Polizei lässt die Kämpfe übrigens laufen, da es, wenn Dada wieder was organisiert, weniger Ärger auf der Straße gebe. Das war zumindest 2009 so, als der Film gedreht wurde, inzwischen soll sich das geändert haben, wie Regisseur Billy Corbern in einem sehr interessanten Interview auf Rollingstone.com erzählt. Der Film hat auch sehr lange keinen Verleih gefunden, bis sich Netflix in diesem Jahr erbarmt hat.

Trotz der teils martialischen Inszenierung und der grafisch stilisierten Gewalt, liefert der Film einen interessanten Einblick in eine Parallelwelt am Rande der Gesellschaft, in der Menschen, die teils auf der Strecke geblieben sind, ihre Hoffnung in eine gefährliche Tätigkeit stecken.

Einer der Kämpfer (der Publikumsliebling) wurde zur Zeit der Dreharbeiten übrigens erschossen, was aber nichts mit den Kämpfen zu tun hatte. Ein weiterer starb kurz nach den Dreharbeiten während einer Verhaftung, als die Polizei mit Pfefferspray und Tasern gegen ihn vorging.

Fantasy Filmfest 2015 – Kurzkritiken (2/2)

Hier die restlichen 8 Kurzkritiken. In den nächsten Tagen folgt noch ein abschließender Bericht mit Fazit zum Filmfest.

Sweet Home

Spanischer Beitrag zum Thema Gentrifizierung. Die junge Maklerin? Alicia inspiziert ein altes, heruntergekommenes Haus, in dem nur noch ein alter, nicht ganz so heruntergekommener störrischer Mann die Stellung hält. Warum Alicia auf die Idee kommt, ihrem englischen Freund zu dessen Geburtstag in dieser Bruchbude ein romantisches Schäferstündchen zu inszenieren, kann man wohl nur verstehen, wenn man in der Immobilienbranche tätig ist und dadurch einen speziellen sexuellen Fetisch für Wohnobjekte entwickelt hat. Jedenfalls stecken die beiden bald in der Falle, als böse, verkommene Gentrifizierer in das wie eine Festung verriegelte Haus eindringen (sie haben einen Schlüssel) und Jagd auf die beiden machen.

Sweet Home ist ein durchaus ansehnlicher und spannender Home-Invasion-Thriller, der aber zu keinem Zeitpunkt die Klasse und Kreativität von z. B. You’re Next erreicht. Der Reiz liegt darin, wie es der toughen Heldin gelingt, auf diesem begrenzten Raum dem übermächtigen Bösewicht zu entkommen. Da fiebert man durchaus mit.

Body

Die Story dieses nur 75-minütigen Films hätte man auch in eine 40-minütige Folge von Law and Order packen können. Drei junge Frauen lassen es in der Villa eines reichen Onkels krachen, bis unerwartet ein Mann auftaucht und alles furchtbar schiefgeht. Plötzlich stehen die drei jungen Damen vor den Scherben ihres zukünftigen Lebens und müssen einige schwerwiegende moralische Entscheidungen treffen. Ohne zu viel zu verraten, sie treffen natürlich immer die schlechteste Entscheidung.

Gelangweilt habe ich mich jetzt nicht wirklich während des Films, aber insgesamt ist er doch zu unspannend und undramatisch geraten. Da wäre mehr dringewesen.

Deathgasm

Ein jener typischen Fantasy-Filmfest-Crowdpleaser, die in jedem Jahrgang ein bis zweimal vorkommen (der zweite dieses Jahr ist wohl Turbo Kid). Damit sind vor allem Splatterkomödien gemeint, die in der besonderen Festivalatmosphäre doppelt so viel Spaß machen, als wenn man sie allein zu Hause vor dem Fernseher schaut. An Tucker and Dale vs. Evil reicht er nicht ganz heran, ich würde Deathgasm eher knapp über My Name is Bruce ansiedeln. Wenn man Metal-Fan ist, macht es sich er noch mehr Spaß.

In dem neuseeländischen Film geht es um einen Jugendlichen Metalhead, der unfreiwillig in der Spießerfamilie seines Onkels landet, an der neuen Schule einiges Mobbing aushalten muss, und sich rächt, in dem er eine satanische Hymne spielt, die all die Spießer und Mobber in von Dämonen besessene Zombies verwandelt. Und hier kann jetzt der durchaus einfallsreiche Splatterspaß losgehen. Wobei er das Splattergenre auch nicht neu erfindet. Die große Stärke des Films ist der Underdog-Humor bezogen auf die Subkulturen der Metaller und Rollenspieler.

Hätte ich den Film zu Hause vor dem Fernseher gesehen, hätte er mich vermutlich gelangweilt, aber auf dem Fantasy Filmfest war er ein großer Spaß mit nur leichten Abstrichen.

Ava’s Possessions

Was passiert eigentlich, wenn der Exorzismus gelungen und die Besessene wieder frei von Dämonen ist? In der Regel der Abspann, in diesem Fall geht der Film aber erst los. Ava war über Monate von einem Dämon besessen, hat so allerlei angestellt, kann sich aber an nichts mehr erinnern. Als sie wieder zu sich kommt, lautet ihre erste Frage an die Familie, ob jemand sie bei ihrem Arbeitgeber krankgemeldet habe. Das betretene Schweigen spricht Bände. Und so versucht Ava die Scherben ihrer Existenz wieder zusammenzusetzen, begibt sich auf die Suche nach den verlorenen Erinnerungen und muss an einer Selbsthilfegruppe für ehemalige Besessene als Teil einer Gerichtsauflage teilnehmen, um nicht im Gefängnis zu landen. Denn ihr Dämon ließ sie nicht nur Dinge, sondern auch Menschen beschädigen. Ja, in Avas Welt ist es offiziell anerkannt, dass Menschen von Dämonen besessen werden können. Was dem Film eine wunderbare Prämisse liefert.

Aufgrund dessen, was ich im Vorfeld so von dem Film mitbekomme habe, war er für mich die potenzielle Festivalgurke, um so überraschter war ich dann, wie gut er mir gefallen hat.

The Invitation

David fährt mit seiner Freundin zu einer Einladung bei seiner Ex-Frau Eden und ihrem neuen Freund, die nach zwei Jahren Abwesenheit alle alten Freunde zu sich eingeladen haben, in genau jenem Haus, in dem Davids und Edens Sohn gestorben ist. Zu einem also oberflächlich betrachtet lockeren Dinnerabend wird jede Menge Ballast mitgebracht. David ist von Anfang an misstrauisch, während sich alle anderen verhalten, als wäre alles wie immer.

Mehr will ich gar nicht verraten. The Invitation ist ein kleines aber feines Drama über Tod, Trauer und wie unterschiedlich man damit umgehen kann. Die Konflikte zwischen den Figuren sind gut ausgearbeitet. Die unangenehmen Vorfälle, die andeuten, dass etwas nicht stimmt, sind geschickt eingeflochten, wobei relativ früh (ab der Videopräsentation) klar ist, wie der Hase läuft. Der Film ist also recht vorhersehbar, mich hat aber die konsequente misstrauische Griesgrämigkeit Davids bei der Stange gehalten. Die große Überraschung, die ich im Vorfeld erwartet hatte, bietet der Film nicht, aber sehenswert ist er durchaus.

The Pack

Tierhorror mit einer wildgewordenen Hundemeute die im australischen Outback eine Familie auf ihrer Farm terrorisiert. Im Prinzip ein Home-Invasion-Film nur mit Tieren statt Menschen als Täter. Wobei die Hunde sich viel zu sehr wie Menschen verhalten. Wenn sich die Protagonisten in Nischen, in Schränken und einfach um die Ecke verstecken, laufen die Hunde ahnungslos an ihnen vorbei, ohne sie zu riechen oder etwas zu hören, obwohl sie doch deutlich bessere Sinne haben sollten, als eben Menschen. Handwerklich ist der Film solide und zumindest halbwegs spannend erzählt, die Hauptfiguren sind gut ausgearbeitet und die Hunde wirken zumindest in der Nahaufnahme relativ bösartig. Der Schrecken geht allerdings ein wenig verloren, wenn sie angreifen, dann sieht man meist nur ein wenig schwarzes Fell durch die Wackelkamera herumzucken. Der Film hat nichts, was man nicht schon anderswo besser gesehen hat und bleibt für einen Tierschocker auf dem Fantasy Filmfest zu harmlos. Trotzdem ist es ein ganz solider Film, den man sich ansehen kann, wenn man (wie ich) sonst nichts Besseres vorhat.

Yakuza Apocalypse

Die meisten (der zahlreichen) Zuschauer haben den Film vermutlich als absurdes Trashfeuerwerk wahrgenommen, ich habe allerdings eine bitterböse Groteske gesehen, in der die Yakuza und deren Verflechtung in der Gesellschaft lächerlich gemacht wird; also ein durch und durch sozialkritischer Film mit Elementen des absurden Theaters und japanischer Folklore. Die Yakuza sind Vampire (im Film gibt es tatsächlich Yakuza-Vampire), die der Gesellschaft das Blut aussaugen. Doch wenn, wie im Film, plötzlich jeder (also auch das Schulmädchen und die Krankenschwester) zu Yakuza-Vampiren werden können und damit auch zu Yakuza, verlieren die Yakuza ihren Sinn.

Stellenweise ist der Film von Takashi Miike etwas zu lang geraten, man merkt ihm auch das geringe Budget an, aber dafür ist das Froschmonster (im Stoffkostüm mit Pappmascheekopf) – der Welt bester Superterrorist – schon eine coole Sau.

Momentum

Südafrikanischer Bankraub/Agenten-Film, in dem die hübsche Bankräuberin nach getaner Arbeit von bösen aber charismatischen Killern gejagt wird. B-Movie-Action, die aber ausgezeichnet gefilmt ist, viel Selbstironie mitbringt und mit den typischen Klischees so übertrieben spielt (wie der blonde, grimmige deutsche Killer), dass es richtig Spaß macht. Kam beim Publikum in der Nachtvorstellung gut an und erhielt sogar stellenweise Szenenapplaus, was ich in diesem Jahr nur bei wenigen Filmen erlebt habe.

Fantasy Filmfest 2015 – Kurzkritiken (1/2)

An meinen 4 Tagen auf dem Filmfest habe ich 16 Filme gesehen. Darunter keine Gurke, nur hier und da etwas Mittelmaß. Hier die ersten 8 von 16 Kurzkritiken (ein abschließender Bericht folgt auch noch):

The Connection (Le French)

Erzählt die französische Seite der French Connection im Marseille der 70er Jahre, ist aber weitaus eleganter und ruhiger inszeniert, als der Film mit Gene Hackmann. Sehr aufwendig und stilsicher, mit Jean Dujardin und Gilles Lellouche als Ermittlungsrichter und Drogenbaron perfekt besetzt. Ist auch eine Hommage an den Poliziotteschi, manche Kamerafahrten erinnern auch an Goodfellas. Soll auf wahren Begebenheiten basieren.War für mich ein wunderbarer Auftakt zum Fantasy Fimfest 2015. Auf die Franzosen ist Verlass, vor allem wenn es um Thriller geht.

Maggie

Sehr langsames und ruhiges Vater/Tochter-Drama, in dem es um eine mit einem Zombievirus infizierte Tochter geht, deren Vater ihr die letzten Tage vor der endgültigen Verwandlung so schön wie möglich gestalten möchte. Hier gibt es keinen Splatter und keine Action, sondern ruhige Einstellungen, familiäre Konflikte und großes Drama, mit hervorragenden Darstellern. Wobei Schwarzenegger jetzt – anders als man vielerorts hört und liest – nicht zum Charakterdarsteller mutiert ist. Der Regisseur versteht es einfach, ihn in einzelnen Einstellungen gut in Szene zu setzen. Pro Einstellung gibt es von ihm auch nur eine Gefühlsebene, aber keine Veränderung und auch keine längeren Dialoge. Den stoischen, wortkargen Farmer spielt Schwarzenegger aber trotzdem ganz gut. Ein Film, den viele als langweilig empfinden könnten, ich fand ihn ganz gut, wobei er dem Genre auch nichts Neues hinzufügt.

Tale of Tales

Opulente und bildgewaltige Verfilmung dreier Märchenepisoden (als Vorlage diente eine obskure italienische Märchensammlung aus dem 17. Jahrhundert), die lose miteinander verknüpft sind. Es geht und Könige und Königinnen, die aufgrund ihrer Entscheidungen in recht absurde Situationen geraten. Es gibt Seemonster, Riesenflöhe, Oger, entführte Prinzessinnen, einen geilen König, der allem nachstellt, was zwei Brüste hat und, und, und … Mit Darstellern wie Salma Hayek, Vincent Cassel, John C. Reilley ist der Film hervorragend besetzt. Von der Machart her erinnert er ein wenig an The Fall, allerdings fehlt ihm dessen Dynamik. Durchaus sehenswert, aber der letzte Funke wollte bei mir nicht so recht überspringen.

Night Fare

Und noch ein sehenswerter französischer Thriller. Zwei junge Freunde (mit einem düsteren Geheimnis) ziehen durch Paris, fahren mit einem Taxi, bescheißen den unheimlichen Fahrer und werden fortan von ihm verfolgt. Der stellt sich schnell als Psychopath raus, dessen Weg mit Leichen gepflastert ist. Knallharter und spannend inszenierter geradliniger Thriller … aber halt – aufgepasst! Es gibt einen netten Twist (den manch einer als hanebüchen empfinden wird), der die Geschichte plötzlich in eine ganz andere Richtung lenkt. Ich habe den Film in der Nachtvorstellung gesehen. Auf dem Heimweg vom Sonycenter zu meinem Hotel (10 Minuten zu Fuß) bin ich doch sehr froh gewesen, dass in Berlin keine schwarzen Taxis unterwegs waren.

Kung Fu Killer

Laut Ankündigung sollte er in der Originalfassung in kantonesisch (spielt größtenteils in Hongkong) und Mandarin (teils auch in Macau) laufen, gezeigt wurde aber dann eine englisch synchronisierte Fassung mit englischen Untertiteln! Die Synchro war richtig schlecht, es gab gefühlt einen Sprecher für alle Rollen, der auch nur einen grimmigen Tonfall draufhatte. Der Humorfaktor des Films lag vor allem in den inhaltlichen Unterschieden zwischen Synchro und Untertitel. Der Held sagt: »It’s possible«, im Untertitel steht: »it’s impossible«. Das sorgte für einige Lacher.
Das alles hat dem Film nicht geschadet, da es zu den hölzernen bis total übertriebenen Darstellern passt (Letzteres gilt vor allem für den debil grinsenden Bösewicht). Die ernsten Momente wirkten unfreiwillig komisch und eher peinlich, wie aus einem schlechten C-Movie.
Aber auch das hat dem Film nicht geschadet, denn in einen Film namens Kung Fu Killer (bzw. Kung Fu Jungle) mit Donnie Yen geht man nicht, weil man geschliffene Dialoge und elegante Arthouse-Inszenierung sehen will. Da geht man wegen der Klopperei rein. Und die ist erstklassig inszeniert. Es geht um einen Kämpfer, der alle anderen guten Kämpfer besiegen und töten will (»Martial Arts is about killing«), um dann selbst der beste Kämpfer zu sein (warum auch immer). Und so kloppt er sich von einem zum anderen und am Ende (aber auch zwischendurch schon ein wenig) eben gegen Donnie Yen.
Wie schon erwähnt, als Film grottig, als Klopperei (die eine Hommage an das Actionkino aus Hongkong sein soll – es gibt ganz viele Cameos von alten und nicht ganz so alten Actionstars) aber gut gemacht.

Shrew’s Nest (Musaranas)

Mein persönliches Highlight des Festivals (dabei wollte ich den Film erst gar nicht sehen).

Was vor einige Jahre noch Frankreich für das Horrorgenre war, ist inzwischen Spanien: eine Instanz, wenn es um kleine, fiese aber auch hochklassig inszenierte Filme geht. Shrew’s Nest bildet da keine Ausnahme.

In den 50er Jahren lebt Montse – die jahrelang unter ihrem tyrannischen und tief religiösen Vater leiden musste – mit ihrer 18-jährigen Schwester in einer Wohnung, aus der sich Montse seit Jahren nicht mehr rausgetraut hat. Das Verhältnis der beiden ist angespannt, die jüngere Schwester möchte das Leben genießen und trifft sich mit einem Jungen, was Montse, die sich hier als Sittenwächterin und Zuchtmeisterin aufspielt, weil sie Angst hat, ihre Schwester zu verlieren, gar nicht gefällt. Der Konflikt der Schwestern kann auch schon mal in blutigen Handgreiflichkeiten enden, aber irgendwann vertragen sie sich wieder und leben weiter in dieser ungesunden Symbiose. Bis eines Tages der attraktive Nachbar von oben, die Treppe runterstürzt und vor Montses Wohnung landet. Die einsame Frau pflegt ihn dann in bester Misery-Manier, bis die Sache schließlich völlig aus dem Ruder läuft.

Trotz des blutigen Finales ist das Kammerspiel Shrew’s Nest vor allem großes Schauspielkino. Luis Tosar spielt den tyrannischen Vater mit einer Intensität, die unter die Haut geht. Das große Highlight des Films ist aber Macarena Gomez als Montse. Sie schafft ausgezeichnet, die Balance zwischen der Zerbrechlichkeit dieser von Leid und Angst geprägten Frau und dem schleichenden, gewalttätigen Wahnsinn, der mit der Sehnsucht nach einem besseren Leben einhergeht, zu halten.

Rabid Dogs

Französisch/kanadisches (spielt wohl in Quebec) Remake des italienischen Klassikers von Mario Bava. Vier Bankräuber gelingt eine spektakuläre Flucht, in deren Folge sie eine junge Frau und einen Vater mit seiner kranken und schlafenden Tochter als Geisel nehmen. Natürlich überlebt der ursprüngliche Plan den ersten Feindkontakt nicht, und so geht dann einiges in die Hose.

Die anfängliche hektische Flucht ist wirklich spektakulär inszeniert, da hat man als Zuschauer das Gefühl, direkt dabei zu sein. Im Laufe der Geiselnahme verliert der stylisch und atmosphärisch dichte Film ein wenig an Fahrt, was vom überraschenden Finale aber wieder ausgebügelt wird.

Nach den Vorschusslorbeeren hatte ich zwar etwas mehr erwartet, aber auch so gehört Rabid Dogs zu den besten von den 16 Filmen, die ich auf dem Festival gesehen habe. Man sollte von Anfang an auf die Kleinigkeiten achten. 😉

Demonic

Ist Haunted-House-Konfektionsware von der Stange aus der Gruselfabrik von James Wan, der seine Filme immer für ein völlig neues Publikum zu produzieren scheint. Nämlich Leute, die nie zuvor einen Haunted-House-Film gesehen haben, denn er nimmt die immer gleichen Zutaten und setzt mit leichten Variationen wieder zusammen. Dabei ist hier kein schlechter Film rausgekommen – eine Gurke ist Demonic nicht -, sondern einfach unspektakuläres und vorhersehbares Mittelmaß. Ich habe es zwar nicht bereut, den Film gesehen zu haben, aber in Erinnerung wird er mir auch nicht bleiben.

Wie der Wind sich hebt & The Kingdom of Dreams and Madness

Wie der Wind sich hebt ist der letzte Film des japanischen Regisseurs Hayao Miyazaki, und es ist vielleicht sein persönlichster. Der Film erzählt die Geschichte des japanischen Flugzeugingenieurs Jiro Horikoshi, der vor und während des Zweiten Weltkriegs für Mitsubishi den Jagdflieger Mitsubishi A5M gebaut hat. Obwohl es sich dabei um ein Kriegsflugzeug handelt, stellt Miyazaki den jungen Ingenieur als Pazifisten dar, der ausschließlich vom Fliegen träumt, wegen seiner Kurzsichtigkeit aber kein Pilot werden kann. Wie historisch akkurat das ist, kann ich nicht beurteilen, aber mit dieser Figur drückt Miyazaki auch seinen eigenen Widerspruch aus – denn er selbst ist schon seit seiner Kindheit von den Zero Fightern der japanischen Luftwaffe, die im Zweiten Weltkrieg unter anderem als Kamikazeflieger eingesetzt wurden, fasziniert. Anderseits ist er aber auch Antimilitarist und kritisiert die Regierung Abe heftig für ihre Aufrüstungspläne und das Bestreben, die pazifistische Verfassung zu ändern.

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Die Gräuel des Zweiten Weltkriegs werden hier nur am Rande angedeutet, meist in den Traumsequenzen, in denen Jiro dem italienischen Flugzeugingenieur Caproni begegnet, und der zu ihm meint, dass keiner der Kampfpiloten, die da gerade in den Einsatz fliegen, zurückkommen würden. Im letzten Drittel des Films werden auch die Machenschaften der japanischen Geheimpolizei angedeutet. Und auch bei Jiros Deutschlandbesuch, sieht er einen wütenden Mob, der jemanden durch die Straßen verfolgt, was wohl auf die Schlägertruppen der SA anspielen soll. Miyazakis Kritik kommt nie direkt, sondern fast ausschließlich durch Bilder oder kleine Andeutungen, was vermutlich dem aktuellen politischen Klima in Japan geschuldet ist. In der Dokumentation The Kingdom of Dreams an Madness (siehe unten) erwähnt der Produzent Toshio Suzuki, dass wieder eine Art Zensur am Entstehen sei, und man bestimmte Themen nicht mehr im Film bringen könne. Ganz zu schweigen davon, dass eine geschichtliche Aufarbeitung wie in Deutschland nie stattgefunden hat. Für westliche Zuschauer, die nicht über die japanische Geschichte und die dortige Kultur Bescheid wissen, könnte der Film wie eine Verklärung oder Geschichtsklitterung wirken, wobei diese Vorwürfe auch von japanischen Kritikern kamen (während die Konservativem im vorwerfen, Japan zu verteufeln).

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In erster Linie ist es ein Film über die Leidenschaft fürs Fliegen und die Liebe eines jungen Paares. Eine längere Passage des Films spielt in einem Hotel in den Bergen und spielt direkt auf Thomas Manns Der Zauberberg an. Jiros Schwarm leidet an einer Lungenkrankheit und es gibt einen deutschen Gast, den Jiro als Hans Castorp bezeichnet. An dieser Stelle muss ich den Umgang der Macher mit den deutschen Sätzen loben, die hören sich alle an, als könnten die Sprecher tatsächlich einwandfreies Deutsch sprechen (was bei amerikanischen Produktionen ja nicht gerade selbstverständlich ist).

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Einen richtigen Plot hat der Film gar nicht, was auch nicht wichtig ist. Mein Nachbar Tortoro hat auch keinen, und ist trotzdem ein Meisterwerk und einer meiner Lieblingsfilme. Hier geht es eben um den getriebenen Jiro, der unbedingt ein tolles Flugzeug bauen will, auch wenn dabei seine Todkranke Frau vernachlässigt wird. Es gibt keine wirkliche Spannungskurve oder ein Erzählgerüst. Alles wirkt sehr episodenhaft und das Ende (das Myazaki ursprünglich etwas anders geplant hatte) wirkt abrupt.

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Besonders loben muss ich an der Stelle Miyazakis Idee keinen professionellen Schauspieler oder Sprecher für die Rolle des Jiros zu nehmen (die sollen alle furchtbar gewesen sein), sondern den in Japan bekannten Animeregisseur Hideaki Anno (Neon Genesis Evangelion), der eine ganz eigene Art zu sprechen hat, die sich deutlich von den eher gleich klingenden und intonierenden Sprechern unterscheidet, die man sonst so in Animes hört. Seine ruhige, nerdige Art zu sprechen wirkt (auch wenn ich das Wort für überstrapaziert halte) authentisch. Zur deutschen Synchro kann ich nichts sagen, die kenne ich nicht.

Wie der Wind sich hebt ist einer von Miyazakis schwächsten Filmen, was aber immer noch einen tollen Film bedeutet. Bis auf die Traumsequenzen kommt er dieses Mal ganz ohne phantastische Elemente aus, auch wenn ein wenig Zauberbergatmosphäre in der Luft liegt.

Im Trailer hört man die tolle Stimme von Hideaki Anno. Man kann auch englische Untertitel einstellen, oder einfach den deutschen Trailer auf youtube schauen.

The Kingdom of Dreams and Madness

Ist eine japanische Dokumentation aus dem Jahr 2013 über Hayao Miyazaki und das Studio Ghibli. Die Kamera begleitet den Regisseur und Zeichner während seiner Arbeit an dem Film Wie der Wind sich hebt, und zwar vom Erstellen des Storyboards (Miyazaki arbeitet ohne Drehbüher, allerdings gibt es seine eigene Manga-Vorlage) über die Sprecheraufnahmen bis zum fertigen Film und Miyazakis Ankündigung in Rente zu gehen.

Ich hatte immer gedacht, dass Hayao Miyazaki eher der Typ weiser, alter, zurückhaltender und schüchterner Mann sei, aber da habe ich mich geirrt. Er ist vielmehr ein kettenrauchender Getriebener, der sich in der Doku auch als ziemlich redselig entpuppt. Man erhält schon einen guten und selbstkritischen (und selbironischen) Einblick in seine Arbeitsweise und auch in seine Ansichten über die Welt („The world ist rubbish“), die natürlich stark von der noch nicht lange zurückliegenden Katastrophe in Fukushima geprägt ist. Wirklich persönliche Einblicke in sein Privatleben erhält man allerdings nicht. An einer Stelle fragt ihn die Dokumentarfilmerin, warum er seine Frau geheiratet habe, worauf er sehr kryptisch antwortet. Ansonsten bleibt das Privatleben außen vor. Miyazaki scheint für seine Arbeit zu leben. Er hat einen festen Tagesablauf, dem er an sechs Tagen der Woche folgt, am siebten Tage, sagt er, gehe er den Fluss säubern. Was immer das heißen mag. Umweltschutz spielt in seinen Filme häufig eine wichtige Rolle (am deutlichsten in Prinzessin Mononoke).

Aber auch Toshio Suzuki – Miyazakis langjähriger Gefährte und Produzent, der die treibende Kraft hinter den Filmprojekten ist – kommt ausführlich zu Wort, und erzählt viel über Miyazakis Werdegang und wie dieser von Isao Takahata entdeckt wurde, wie sie das Studio Ghibli zusammen gründeten und wie sie immer mehr miteinander stritten, so dass Takahata mit seiner Arbeit ans andere Ende von Tokio gezogen ist. Über Takahata – der zeitgleich an seinem letzten Film Die Legende der Prinzessin Kaguya arbeitete, es aber nicht so mit Abgabeterminen hat – wird viel geredet. Im Film taucht er aber selbst erst am Ende auf und viel erzählt er auch nicht.

Größtenteils wirkt es, als würden alle im Studio Ghibli in entspannter Atmosphäre unter einem humorvollen Chef arbeiten, aber so ganz scheint es in Wirklichkeit nicht zu sein. Allerdings gibt es nur eine einzige Mitarbeiterin, die sich dazu äußert, wie schwierig es sein kann, unter dem Perfektionisten Miyazaki zu arbeiten, der einem jederzeit über die Schulter gucken kann. Viele hätten aufgrund des Drucks wieder gekündigt. Miyazakis Sohn Goro (Der Mohnblumenberg) äußert sich in einer Konferenz (ohne den Vater) sehr selbstkritisch, er sei nur zufällig da hineingeraten und habe eigentlich gar keine Filme drehen wollen. So ganz schlau bin ich nicht daraus geworden, worum es in der Sitzung ging, aber es herrschte einen angespannte Atmosphäre.

Ein bisschen erzählt Miyazaki dann aber doch über seine Kindheit während des Zweiten Weltkriegs, wie sein Vater als Zulieferer für Flugzeugteile reich geworden sei, und wie Miyazaki selbst eine Leidenschaft fürs Fliegen und für Flugzeuge entwickelt habe.

Schaut man sich diese Doku und Wie der Wind sich hebt kurz hintereinander, entdeckt man viele Parallelen zwischen der Hauptfigur Jiro und Hayao Miyazaki. Beide sind rauchen viel, sind Workoholics, getrieben von ihren Ideen und einer widersprüchlichen Leidenschaft.

Es ist eine leise aber mitreißende Dokumentation, die mich dazu veranlasst hat, mir umgehend die beiden Filme Miyazakis zu kaufen, die ich noch nicht gesehen habe. Bisher hatte ich nur mein Nachbar Tortoro auf DVD, aber in den nächsten Monaten werde ich mir die restlichen Film noch anschaffen und hier im Blog besprechen, den die Filme aus dem Studio Ghibli und insbesondere die Filme von Miyazaki versprühen eine einzigartige Kinomagie, die ich in den ganzen Superhelden, SF und Actionblockbustern, die gerade unsere Kinos überschwemmen, schmerzlich vermisse.

Meines Wissens nach, gibt es die Doku noch nicht auf Deutsch. Ich habe die englische Fassung gesehen.

Nachtrag vom 24. April 2016: Wenn ich das richtig sehe, wird die Doku am 27. Mai als Blu-ray und DVD in Deutschland (OmU) erscheinen

30 Filme, die ich in den letzten Monaten gesehen habe

Interstellar – für mich das Kinoereignis des Jahres. Für genau solche Science Fiction wurde das Kino erfundenl, und für genau solche Filme lohnt es sich noch, ins Kino zu gehen. Ohne nutzloses 3-D-Gedöns, bildgewaltig, emotional mitreißend und mit einer gehörigen Portion Sense of Wonder.

Ruhet in Frieden – Detektivgeschichte der alten Schule, mit einem Lian Neeson, der ausmahmsweise mal nicht als unbesiegbarer Superkämpfer mit CIA-Vergangenheit austeilt, sondern auf die altmodische Art ermittelt. Solider Krimifilm.

The Equalizer – Denzel Washington als unbesiegbarer Superkämpfer mit CIA-Vergangenheit, der in bester Heimwerkkönigmanier gegen die bösen Schurken austeilt, um die gefallen Hure (the whore with the golden heart) zu retten.

Stimme des Herzens – Wunderbarer Ghibli-Film über ein junges, aufgewecktes Mädchen, dass die erste Liebe erlebt und die erste Liebe zum Geschichtenerzählen. In diesem, eigentlich von Phantastik freiem, Film, erfährt man allerdings, was es mit dem Baron aus Königreich der Katzen auf sich hat.

Tränen der Erinnerung – Noch einmal Ghibli. Ein japanischer Anime, in dem ungarische Bauernmusik gespielt wird, hat bei mir direkt ein Stein im Brett. Ein ebenfalls wunderbarer Film über eine junge Frau aus der Stadt, die Urlaub auf dem Land macht und in Kindheitserinnerungen schwelgt. Viel passiert in dem Film nicht, aber dass muss es auch nicht. Poetisch ruhiger Film über das Wesen der einfachen Dinge.

Under the Skin – Eigentlich stehe ich ja auf so arthousige »Kunstkacke« mit wenigen Dialogen und kunstvoll surrealistischen Aufnahmen, aber den Film musste ich nach einer Stunde abbrechen, weil er mir tierisch auf die Nerven ging und stinklangweilig war. Und es kommt nur alle paar Jahre vor, dass ich einen Film abbreche (vor allem, wenn ich für ihn bezahlt habe). Ich weiß aber auch, dass er vielen Filmliebhabern gefallen hat, weil er so gegen die Konventionen inszeniert ist.

47 Ronin – Ich stehe total auf japanische Samuraifilme (auch jene mit phantastischen Elementen) und ich mag Keanu Reeves sehr, aber dieser Film ist wie ein Autounfall, bei dem man einfach nicht wegsehen kann, obwohl man weiß, dass es nur schlimmer wird. Simpel gestrickte Rachestory mit Samurais und Dämonen, der aber ein roter Faden, eine ordentliche Erzählstimme und auch sonst Vieles fehlt.

The Woman – Vermeintlich zivilisierter Familienvater will im neuen Familienprojekt einer im Wald eingefangene Kannibalin! Manieren beibringen, in dem er sie unter anderem vergewaltigt und vom soziopathischen Sohn Foltern lässt. Dass dies ein blutiges Ende nehmen wird, ist absehbar, aber ansonsten verzichtet der Film weitestgehend auf Dramaturgie. Ist nicht schlecht, aber hat mich auch nicht vom Hocker gerissen. Die Stärke des Films ist die Charakterisierung der Tochter, die das alles fassungslos und hilflos miterleben muss. Nach einer Vorlage von Jack Ketchum und quasi die Fortsetzung von „Offspring“.

Infection – Fast meditativer Infektionshorrorfilm aus Japan, der an einem Abend in einem heruntergekommenen (unheimlichen) Krankenhaus spielt, auf dem sich eine eklige Seuche ausbreitet. Ruhig inszeniert, wenig Budget, aber gute Darsteller und interessante Erzählstruktur, bedrückender Atmosphäre und mit unerwartetem Ende.

Her – Ein Mann verliebt sich in ein Computerprogramm, genauer gesagt, in ein Operation System, das per Knopf im Ohr ständig mit ihm in Verbindung steht. Wer kann es ihm verdenken, da es immerhin mit der Stimme von Scarlett Johannson spricht. Ruhig inszeniertes Beziehungsdrama von Spike Jonze, über unser mögliches zukünftiges Sozialleben. Kann ich nur empfehlen. Starke Nebendarstellerinnen.

Nightbreed Director’s Cut – Alternative Schnittfassung des Klassikers von Clive Barker. So sehr wie angekündigt unterscheidet sich der DC jetzt nicht vom Original, ist aber trotzdem sehr sehenswert. Phantasievolle Parabel über vermeintliche Normen und die Angst vor dem Fremden und Andersartigen (Pegida ick hör‘ dir trapsen).

Flight – Erstklassiges Trinkerdrama um einen Piloten, der unter Koks und Alkohol eine eigentlich unmögliche Heldentat vollbringt, damit viele Leben rettet und als Belohnung dafür in den Knast soll. Denzel Washington in Hochform.

Wolf of Wallstreet – Dreistündiger Partyfilm von Martin Scoresese, in dem es neben den zahlreichen Exzessen auch ein wenig um unmoralisches Verhalten an der Wall Street geht. Der heimliche Star des Films ist Jonah Hill, mit einer wahrlich göttlichen Darbietung.

The Maschine – Low Budget SF-Thriller über künstliche Intelligenz, der Schick aussieht, einen guten futuristischen 80er Jahre Soundtrack hat, zwar thematisch nicht viel Neues bietet, aber trotzdem gefällt.

New World – Koreanisches Gangsterdrama um Intrigen und einen Undercoverbeamten in der Zwickmühle. Nicht schlecht, kommt mir aber emotional etwas zu unterkühlt daher. Es fehlt die Bindung zu den Figuren und kann nicht an Infernal Affairs heranreichen.

Jack Reacher – Gut gefilmte Umsetzung der Buchreihe von Lee Child, mit einem gut aufgelegten Tom Cruise (auch wenn der nicht im entferntesten an den Reacher aus den Büchern erinner) und einem fingerfertigen Wolfgang Herzog. Nette Action für zwischendurch.

American Muscle – Dreckiger kleiner Rachethriller über den Badest Motherfucker of the Cell Block, der sich nach 10 Jahren im Knast an seinen Komplizen rächt. Mit kaum Budget in bester Grindhouse-Tradition gefilmt. Den Bechdeltest würde der Film nicht bestehen. Die Frauen, die der „Held“ trifft, lassen sich entweder bereitwillig von ihm vögeln, oder nicht so ganz bereitwillig erschießen. Der eigentlich strunzdumme Film macht dank des Hauptdarstellers und seiner konsequenten Härte trotzdem Spaß.

Young Detective Dee: Rise of the Dragon – kann leider nicht an den ersten Film der Reihe heranreichen. Dafür ist die Story zu zerfahren und konfus. Auch die Kämpfe sind nicht so gut und spannend inszeniert. Trotzdem immer noch ein sehenswerter asiatischer Fantasy-Wuxia-Film.

Galaxie des Schreckens – Netter Alien-Ripp-Off, der vor allem durch das stimmungsvolle Set-Design James Camerons überzeugt. Und die Story ist originell genug, um keine bloßer Abklatsch zu sein. Dazu gibt es Sid Haig und Robert Englund in einem Film und einen klassischen Pornobalken-Held der 80er Jahre.

Dredd – Konsequent harte und brutale Umsetzung des Comics, in der Judge Dredd (Karl Urban) nicht einmal seinen Helm absetzt. Unterhaltsamer und erstklassig gefilmter Actionkracher.

World War Z – Bis zum letzten Drittel eindrucksvoll gefilmter Zombie-Katastrophenfilm, der aber in jenem letzten Drittel jegliche Spannung verliert und plötzlich reichlich unspektakulär daher kommt.

Arachnophobia – Bester Spinnenhorror, der je gedreht wurde, und mich heute noch mehr gruselt, als fast alle anderen Horrorfilme, dabei nimmt sich der Film selbst nicht zu ernst und kommt dank John Goodman stellenweise sehr humorvoll daher.

Witching and Bitching – Netter Hexenhorrorslapstickspaß, der mit einem eindrucksvollen Banküberfall beginnt, sich zunehmende zu einem Gruselstreifen wandelt und im bewusst völlig übertriebenen Finale alle Hemmungen fallen lässt. Spaßig abgedrehter Horror aus Spanien, der sich schon allein wegen Carolina Bang lohnt.

Nymphomaniac 1 u. 2 – Deprimierendes aber auch eindrucksvoll inszeniertes Psychogramm einer sexuell gestörten Persönlichkeit. Gleichzeitig aber auch (vor allem durch Christian Slater) auch ein einfühlsames Familiendrama.

Frances Ha – Wunderbar lebensfreudiges Independent-Drama mit einer bezaubernden Greta Gerwig. Eine jener Filmperlen, die es immer seltener ins Kino schaffen.

The Lincoln Lawyer – Spannender Anwaltsthriller um einen windigen Rechtsverdreher, der böse aufs Glatteis geführt wird und all seine Raffinesse einsetzen muss, um seinen Kopf aus der Schlinge zu ziehen. Basiert, anders als ich zunächst dachte, nicht auf einem Buch von John Grisham, sondern auf einer Vorlage von Michael Connelly (dessen Harry-Bosch-Reihe mir sehr gut gefällt).

Tamara Drew – solide Beziehungskomödie von Stephen Frears, die sich um einen Rückzugsort von Schriftstellern und eine hübsche Frau dreht, die wiederum allen den Kopf verdreht. Nicht ganz so witzig wie erwartet und etwas merkwürdigem Ende, aber dafür mit einer bezaubernden Gemma Atterton und Tamsin Graig (Black Books).

Little Deaths – Episodenfilm der versucht die Themen Sex und Horror zu verbinden, dabei aber kläglich versagt.

Book of Blood – Umsetzung zweier Kurzgeschichten von Clive Barker, die einen ganz netten Spukhausfilm abgibt, aber im Vergleich zu den Filmen, die der Meister selbst inszeniert hat nur verlieren kann. Könnte etwas mehr Tempo und Schrecken gebrauchen.